Sin ironía, sin
crítica,
Con ambigüedad,
El tratamiento
psicológico de los personajes,
Resonancia
melancólica de la narración.
La rigidez casi
inquietante,
La superficialidad
y vacío,
Nos muestra un
mundo
Único y
maravilloso
Del que no nos
deja escapar.
La Modernidad en Edward
Hopper
¿Por qué se omite a EH (1887-1967) de las historias
del arte? ¿Por qué no se lo considera un artista moderno?
Autores como Read o Argan no lo sitúan dentro de la
Historia del Arte Moderno. El primero aclara en el prefacio de su libro (1) que no lo incluye en su historia de la pintura moderna por no considerarlo
específicamente moderno mientras que el segundo lo menosprecia llamándolo
“realista sin ideología”(2)
De este mismo modo, muchos otros teóricos, que
colocan a Hopper dentro de las filas del realismo, no consideran como
innovadora a su obra. La denominación “realista” encasilla y degrada a muchos
artistas. Se trata de una categoría que proviene de la literatura y que ha
tenido poca variación desde las tradiciones académicas del Siglo XIX, según
algunos críticos. Su transposición a las artes plásticas muchas veces actúa
como límite a la inclusión de estas obras dentro del concepto de lo moderno
como en el caso que estamos analizando en este artículo.
La travesía que se propone este
escrito es recorrer la obra de EH entramándola con distintos elementos que
permiten un análisis más detallado de ciertas posiciones teóricas ya
tradicionales, revirtiéndolas o matizándolas.
En primer lugar, hemos
propuesto que la obra de EH es moderna por lo que cabe aclarar que
“Modernidad”, “moderno”, “modernización” y “Modernismo” son términos que
describen fenómenos diferentes a los cuales debemos caracterizar para no entrar
en imprecisiones.
Empecemos planteando que consideramos “moderno” a
un acontecimiento contemporáneo,
concepto ya planteado por Baudelaire en el siglo XIX, y en el arte, a la manifestaciones que se dan a partir de fin del SXIX hasta nuestros días. Explicar un poco más en torno a la obra de Hopper además
de especificar qué significa tema del arte.
E.H. desarrolla su actividad bajo esta concepción, mostrando en sus obras,
además de temáticas contemporáneas, autonomía artística y el cuestionamiento de
la realidad aparente y de su propia existencia
En cuanto a “Modernidad”,
se trata de un fenómeno cultural global, un proceso que se desarrolla a partir
de la Revolución Francesa (1789) y que cuenta con una serie de valores
vinculados a la conformación de la sociedad burguesa, el progreso tecnológico,
la supremacía de la razón, el concepto de lo nuevo, la linealidad de la
historia y el protagonismo del individuo. Un concepto asociado a la
Modernidad es el de “vanguardia”, que siguiendo a Peter Bürger, podemos
definirlo como la autocrítica al sistema artístico o institución arte, un
aparato de producción, distribución, recepción y consumo del arte, que ha
convertido la obra de arte en mercancía y que se propone la disolución al arte
la praxis vital, marcando así la necesidad de una función social del arte y que
incluye el concepto de lo nuevo en el sentido de ruptura con la tradición[3]. Relacionar
con Hopper tanto modernidad como vanguardia. La
gran dibulgación que han tenido y tienen la obras, muestra como la mirada de
este artista se anclan dentro de una sociedad, que en algún sentido se ve
reflejada en ellas. En la profundidad de los personajes y elementos
representados se ven los conceptos encuadrados dentro de la modernidad,
destacando la función social de esta obras como manifestación del pensamiento,
Otro aspecto importante
de este proceso moderno es lo que se denomina “modernización”, vale decir, todo
el desarrollo económico y científico, como por ejemplo la industrialización, el
desarrollo del capitalismo, las invenciones tecnológicas y científicas., Ejemplificar con Hopper. En
los paisaje E.H. muestra a la
civilización inmersa en la naturaleza, reprecentada a traves de simples rasgos
de la tenologia y las comunicaciones, utilizado como recurso la metonimia, que
mostrando una parte representa el
todo: las vias, el tren, los postes, el teléfono.
Por último, se entiende
por “Modernismo” los desarrollos
artísticos y culturales que surgen entre 1880 y 1900, que proponen interpretar,
avanzar concretamente y secundar el progresivo esfuerzo económico- tecnológico
en la civilización industrial (4).
Como hemos mencionado en los diferentes ejemplos, EH
forma parte de la Modernidad porque siendo un artista figurativo, su manera de
representar, sus temas, y la concepción que tiene de la pintura, lo ubica
dentro de este movimiento.
El gran mérito por que es un gran mérito?
EH se forma en la gráfica
y luego pasa a la pintura de la mano de Robert Henri, maestro que lo inicia con
los Impresionistas. Formando parte del Realismo
Norteamericano, que desarrollan una actividad antiacadémica de la llamada
Ashcan- School (Escuela cubo de basura), entorno a este maestro, dedicada a
reflejar la fealdad de las escenas callejeras. EH sobresale del grupo, que
pinta una suerte de regionalismo romántico, realizando imágenes frías de
contenido enigmático. Viaja a
Europa tres veces entre 1907 y 1910. Allí recorre varias ciudades donde no lo
atraen las vanguardias ni la abstracción sino los clásicos y artistas como
Courbet, Corot y Manet y luego presta atención al Cubismo. En ellos ve la manera
de representar a la gente común, el enfrentamiento directo con la realidad, sin
filtros, solo con la utilización de los medios plásticos. A través del lenguaje
artístico interpreta la realidad, e aquí un elemento fundamental del arte
moderno. Qué es lo
que mira en estos artistas? Hay algo moderno? Qué?
Ya de vuelta en EEUU, prueba varias técnicas, desde el
dibujo, el grabado, la acuarela hasta el óleo mientras se gana la vida como
ilustrador y dibujante para revistas. Un ejemplo es Niño y luna el tema del espacio interior y exterior mediatizado por
la ventana y el movimiento de la cortina por el viento. Motivo que será una cosstante a lo largo de su trayectoria. Aby Warburg denomina a esta fórmula “pathos”, la manifestación de una vivencia emocional basada en una
religiosidad primitiva, la idea de que Dios se encuentra en ciertos elementos
de la vida cotidiana.
Ver un poco
Por qué
esta cita de Warburg? Tiene que ver con la modernidad?
Campo cultural americano
El contexto en el que
Hopper se desarrolla es en la
formación del campo artístico de EEUU, que comienza a configurarse a
fines del siglo XIX y principios del XX. Los primeros coleccionistas de arte
son los grandes industriales quienes, en poco tiempo, convierten estas colecciones en galerías y museos públicos.
Junto a ellos se van estableciendo organismos institucionales que apoyan a las
artes y promocionan el
establecimiento y desarrollo de artistas que emigrados de Europa. Esta acumulación de
obras e instituciones dan a estos personajes prestigio y poder dentro del campo
artístico, además de poder del mercado del arte que empieza a generar grandes
valores para obras de grandes maestros. Este es un rasgo de la modernidad, que
convierte a las obras de artes en mercancias, osea en valores de cambio dentro
de un mercado que cada vez es mas internacional. Por que
coleccionan? Como se relaciona con la modernidad?
Un hito fundamental es en
1913, la inauguración de la Armory Show, una gran exposición realizada en New
York, que reúne artistas de Europa y EEUU, cuyas estrellas son Picasso y
Matisse. De las 1600 obras que
conforman la muestra, las dos terceras partes son norteamericanas.
EH presenta Velero de 1911
(Pittsburgh), el primer cuadro que vende por 250 dólares y que representa
el nuevo espíritu en el arte de
EEUU como caracteriza Argan afirmando que EH “es un realista sin ideología, un
primitivo sin falsos candores cuya extraordinaria fuerza de caracterización y
cuya desesperada sensibilidad ante la desolación del mundo de las metrópolis
norteamericanas se traduce en una narración figurativa de gran eficacia”[5]. Pero no es que Hooper no tenga ideología, sino
que él esta viendo al mundo de otra manera y su ideologia esta marcada dentro
de un contexto difernte al europeo. En las obras de esta época refleja la problemática social de EEUU de
preguerra. Comentar esta cita, es realmente alguien que no tiene
ideología o su ideología puede relacionarse con la modernidad?
Otro hecho importante que
se da en Nueva York en 1918 es la fundación del Whitney Studio Club, una agrupación de artistas independientes que se reúnen para poder exponer. Esta iniciativa
muestra como los artista buscaban nuevos espacios donde mostrarse, y de
esta manera ampliar los reducidos circuitos del arte. Esto como se relaciona con el campo cultural, cuál es su
posición? Hopper es uno de sus fundadores y allí realiza su primera
exposición individual dos años más tarde. Su
involucraniento y compromiso
frente a esta problemática
seguirá desarrollandose y defendiendo su pensamiento frente a las nuevas
tendencias que querran desplasar su arte.
En esta muestra se exhiben obras de periodos de sus viajes y su
nueva producción que anticipa el desarrollo futuro de su trabajo. Los temas
americanos, sus veranos, las costas y paisajes. Posteriormente, esta
institución se convertirá en el Whitney
Museum of American Art, museo que alberga la mayor cantidad de obras de EH. Que tipo de obras muestra el Whitney? Qué lugar ocupa
dentro de lo que es la modernidad y la vanguardia? Que otros artistas
coleccionan? Y en sus colecciones se privilegia
el arte norteameriano
moderno, de esta manera cumple un papel muy impotante en la difusión y
promoción de artistas nuevos conjuntamente con los artistas mas destacados del
S XX.
En 1924, la Frank K.M.
Rehn Gallery organiza la primera
exposición individual en una galería con gran éxito comercial puesto que se
venden todas las obras, incluyendo algunas de la trastienda. Esto permite a
Hopper dedicarse exclusivamente a la actividad artística y abandonar su trabajo
de ilustrador. Ese mismo año se casa con Josephine Nivison, una acuarelista que
lo había ayudado en su carrera, con quién vivirá toda la vida. EH con esta
muestra empieza a gozar de alta
reputación dentro del medio. Por que, qué es lo que
miran en su obra, como se relaciona con lo que se considera moderno? , debido a la manera de retratar su tiempo y el estilo de
vida norteamericano. El éxito comericial es impulsado por el consumo de arte de
la burguesia industrial que
invierte en el arte y se ve reflejada en la obra de E.H.
Después de la Primera
Guerra Mundial, el centro de la cultura artística mundial se empieza a desplaza de París a New York . Ya después de 1945 N. Y. Es la capital mundial del arte, gracias a una multiplicidad de factores
como la llegada de artistas exiliados de Europa, el apoyo del Estado como política cultural para las artes,
con programas de becas, compra de obras para espacios públicos y museos y un
gran impulso desde el sector privado que con el auge económico de la posguerra,
genera un florecimiento del arte norteamericano. Sin embargo, esta prosperidad
y proyecto cultural benefician la abstracción relegando al arte figurativo a un
segundo lugar. Cuando la abstracción toma la escena,
"los realistas no estaban preparados para
ceder el futuro al expresionismo abstracto lo que significa que su presente era de protesta y batalla
estética. Se sentían entre la espada y la pared, no solamente con relación a la
historia del arte, sino también a la producción práctica del arte, porque el
expresionismo abstracto sacudía la infraestructura institucional del mundo del
arte y parecía que la abstracción era un enemigo a ser derrotado, o al menos
repelido. Parecía que el futuro como artista, e incluso la pregunta de si uno
tenía un futuro como artista de lo que se hacía en ese momento y lugar"[6]. Comentar la
cita.
Los artistas realistas mantienen su posición a través de la
publicación de notas en revistas y
diarios, la organización de muestras grupales pero el campo artistico
los encapsula, una muestra de ello es el encasillamiento a H.
dentro de la American Scene - realismo social norteamericano- pero esto no le hace justicia ya que su producción no
encuadra dentro del pintoresquismo ni del sentimentalismo de los realistas
norteamericanos que muestran una imagen de realidades provincianas. Los artistas
que retratan las escenas de Norteamérica a consecuencia del Crac del ´29 y el
pintoresquismo rural, cómo Grant Wood, Thomas Hart
Benton, Joe Jones, Regina Marsh, Raphael Soyer y Ben Shan, siguen la tradición decimonónica del
arte norteamericano y no pueden hacer el salto a la Modernidad mientras EH ya
está inmerso en ella,
trascendiendo los propios temas de las obras para analizar la pintura
como lenguaje propio. Dar ejemplos.
Sin embargo, el
modernismo es un concepto que tuvo
un desarrollo a lo largo de la historia, que puede circunscribir desde las
vanguardias históricas del siglo XIX hasta los movimientos conceptuales de los
´70. De hecho, Hopper es incluido en la segunda
muestra “Pinturas de diecinueve norteamericanos vivos” del Museo de Arte
Moderno en 1929. Al año siguiente
el Museo adquiere Casa junto a la vía
de 1925; primera obra comprada para aumentar la colección del MOMA. Cuando Alfred Barr organiza una
retrospectiva de su obra en el museo en 1933, explicita que Hopper es “el
pintor más excitante de Estados Unidos”.
El MOMA es la institución más relacionada con la
modernidad, pero la modernidad de 1933 no es la misma que 1960, cuando el Expresionismo Abstracto ocupe todos
los espacios. En 1933 son considerados modernos los impresionistas,
postimpresionistas, surrealistas, fauvistas, cubistas, los movimientos
abstractos suprematistas, dadaístas, y los no objetivistas. Hopper forma parte
de esta contemporaneidad y este modernismo no es una amenaza para los
realistas, luego, en los ´50 el Expresionismo Abstracto será el “enemigo” a
enfrentar cuando éstos, se apropien del campo artístico norteamericano. Ojo que son fechas diferentes y podria significar que no
hay cohesion
En los '50 se plantea una disputa a consecuencia del
éxito de Expresionismo Abstracto, los artistas realistas temen que éstos copen la totalidad del
campo artístico, por lo que se reúnen en torno a la revista Reality donde establecen sus puntos de
vista frente a esta
contienda. Se luchaba por los lugares donde exponer, los espacios de influencia y la
supremacía en el mercado Hopper es uno de los artistas participantes de
esta publicación. Tenés algo más de esta
publicación? Qué se decia, por que se luchaba?
El Pop art
En 1964 se
realiza la primera retrospectiva de Hopper, en el Whitney, y es el mismo año en que irrumpe en la escena artística el Pop Art.
Algunos expertos encuentran en Hopper una fuente para los artistas pop como
cuando incluye carteles de publicidad en la farmacia Farmacia de 1927; el logo de Mobil Gas en Gas de 1940 de la estación de servicio o publicidades en El Palacio de 1946 y Retrato
de Orleans de 1950. Sin embargo, utiliza estos elementos del mundo de la
publicidad en pinturas que se encuentran lejos del Pop, es una referencia a la
vida moderna. Quizas podes usar algo de lo que dice
sarlo acá Nose que poner
El realismo de Hopper y
el del Pop son dos fórmulas diferentes puesto que los artistas como
Rauschenberg, Oldenberg, Warhol, que empiezan a incluir objetos reales en sus
obras, buscan cerrar la brecha entre al arte y la realidad. Platón en La
República[7],Libro décimo,
habla de tres grados de realidad de la cama: como la idea o forma, como la
puede hacer una un carpintero y como la puede concebir un pintor imitando su
forma. Los artistas carecen de conocimiento, porque estos conocen sólo las
apariencias de las apariencias. Cuando los artistas pop empiezan a poner
objetos de la realidad misma en las obras, este conocimiento no es sólo apariencia
sino realidad. EH todavía no logra este grado de análisis mientras el Pop sí lo
hace.
Las obras
El análisis de la obra
completa de EH resulta muy difícil de acceder ya que sus cuadros aparecen abiertos a todo tipo de
interpretaciones y en general se lo adjetiva con términos como intimistas o
psicológicos para dictaminar generalidades. El acceso al contenido profundo de
la obra queda ante el espectador como una pregunta cuya respuesta no tiene un
solo significado, sino que se abre como abismo del cual nunca se puede ver el
final. Aca podes relacionar con los metafisicos
italianos
Dentro de las temáticas
que aborda, se puede destacar la creación de mundos privados, como el de
mujeres solitarias, que Danto caracteriza explicando que
"cuando pintó el desnudo, Hopper lo
hizo en las situaciones eróticas en las que la mujer está naturalmente
desvestida, como en Girlie Show de 1941 o Morning Sunshine de 1952, donde uno
siente que la mujer está fantaseando. No hay nada especialmente moderno en esas
pinturas de Hopper: era, virtualmente, como si al final del siglo XIX
continuara encapsulado en el siglo XX, y como si el modernismo, tal como lo
entendemos, no hubiese sucedido nunca.... sus pinturas son descarnadas y
claras, sin sombras inexplicables , o, por así decir, metafísica”[8].
como
sucede en los paisajes locales de Atardecer en Cape Cod de 1934 (Whitney)
en las ciudades provincianas desnudas, cercanas al ferrocarril, símbolo del
progreso del siglo XIX de Cape Cod en
Octubre de 1946, en carreteras donde el automóvil es el referente del
progreso del siglo XX, como Route 6.
Eastham de 1941 (Sheldon Swope Art Museum) o en paisajes como Carretera en Maine de 1914 (Whitney)
donde naturaleza y civilización se enfrentan armoniosamente en lugares desolados donde aparecen
algunos signos de la existencia del hombre, como postes de teléfono o vías de
tren, elementos de civilización, o bien, el problema de lo cotidiano y del
trasfondo de la vida están siempre presentes, aunque a veces sean
imperceptibles, escondiendo una pregunta cuya reflexión no siempre se puede
expresar en palabras, como Habitación de
Hotel de 1931 (Museo Thyssen –Bornemisza, Madrid).
Todas las obras poseen
una construcción de estructuras formales sólidas debida a su atenta mirada al
cubismo.
En cuanto al
espacio, la utilización de perspectivas de planos rebatido, figuras cortadas
por el margen y el punto de vista bajo son tomadas (estas segura?) Si
de Edgar Degas, de esta manera amplia los
objetos que esta mostrando, elevandolos como se ven Habitación en Brooklyn de 1932 (Boston) cuando
muestra el piso de la habitación, la luz proyectada desde el punto de vista
bajo (no se entiende bien la oración)
focaliza la mesa con el florero elevándolo, y así
amplia las ventanas.
Por otra parte, utiliza
de la luz como elemento expresivo que sostiene esta estructura e incrementa el
peso psicológico en las obras, contrastando entre la luz más estridente y la
sombra menos rígida como en Sol en una
habitación vacía de 1963.
Cuando aparecen
personajes, las mujeres solitarias en habitaciones despojadas, con miradas
perdidas hacia el exterior y frente a una ventana resultan ser un tema
frecuente.
Los elementos que se
repiten en todas las obras son paisajes, casas, faros, vidrieras, las miradas
interior- exterior (casas, oficinas que miran a la calle) como Las once de la mañana de 1926
(Smithsonian Institute, Washington), o exterior - interior (desde la calle al
interior de negocio, bares o locales) como Noctámbulos
de 1942 (The Art Institute of Chicago), escenas que son miradas desde afuera,
la inspiración surge desde el caminar a lo largo de la calle, mirando los
edificios, la vidriera, siempre solitarias, enigmáticas con múltiples
significaciones que permiten inferir relaciones o diálogos silenciosos entre los
personajes y el espectador que es siempre un voyeur invisible pero es parte esencial de las obras y de la
interpretación del objeto representado. Los elementos puramente pictóricos y la
concepción de los elementos abstractos son dejados de lado para tratar de
adentrarnos en la tensión psicológica de las escenas. La soledad de los
personajes que aunque estén acompañados pocas veces interactúan, ensimismados
en sus pensamientos esperan algo, como en Automát de 1927 (Des Moines) o en Cine en New York de 1939 (NY MOMA).
Presenta el escenario de
la vida burguesa en las pequeñas ciudades norteamericanas con una belleza
monstruosa en composiciones claras y señala como su objetivo principal una
transposición lo más exacta posible de las impresiones personales de la
naturaleza al cuadro artístico.
Hasta entrados los años
sesenta, Hopper pinta sus cuadros con el mismo estilo consolidado que recalca
el intenso contraste luz y
sombra con efectos surrealistas
contenidos siguiendo la máxima "El pintor perfecto debe estar en
condiciones de rescatar su mejor cuadro y volver a pintarlo diez veces una tras
otra para demostrar que no depende ni de los nervios ni de la casualidad"[9].
El contraste entre el exterior y el interior, cultura y naturaleza aparece como
constante e incluso al final de su vida prescinde de la figura humana, dándole
a la luz el valor de nexo entre los dos espacios.
El valor permanente de la obra de EH pertenece a la historia del arte de nuestro tiempo,
siendo fuente de inspiración para otros artistas y disciplinas. Por ello merece
ser considerado como un maestro y gran artista. Su
inclusión como artista moderno denota un análisis cabal de su obra Pone algo tambien de la modernidad
Considerado como uno de
los pintores más trascendentes del arte norteamericano, siendo un artista
figurativo, que logra gran popularidad a lo largo de su vida y que luego de su
muerte alcanza cada vez más reconocimiento como un artista de primer orden
La imagen de Hopper y el
cine
EH expresó su admiración por los directores de cine
negro francés, en especial J.L.
Godard. En sus cuadros pueden verse paralelismos como en las obras de la ciudad y
esta influencia es probablemente que sea recíproca, la forma de mostrar la
ciudad con la cámara en mano, el movimiento, el frenesí de la urbe.
Por otra parte, algunos
directores de cine toman el tratamiento compositivo de las imágenes de los
temas americanos para representar el estilo de vida americano de los años ´30,
´40 y ´50.
Efectivamente, la obra Hopper ha sido tomada como fuente
de realización por cineastas de dos maneras.
La primera toma la obra como una forma de
representación, donde los temas, los objetos y ambientes son muy similares que
en las imágenes películas, especialmente aquellos films que datan de los años
cincuenta y sesenta. Películas como las de Hitchcock en los que se pueden ver
estas manera de ver La ventana indiscreta
de 1954, no solo la fotografía sino también el tema (Un hombre que debe
permanecer en su casa postrado porque tiene una pierna rota, se va a entretener
mirando por la ventana y será testigo de un crimen), el adentro y el afuera,
inquietud que H va a mantener durante toda su trayectoria , el ver sin ser
visto, la ventana como elemento divisorio entre el interior y el exterior , lo
privado y lo público, elemento de mediación que desde lo plástico es un recurso
que permite generar otros espacios , con otras luces y otros motivos.
La segunda tiene que ver con que los directores
toman esta estética como la más representativa imagen de la vida norteamericana
de los años cincuenta y sesenta, mostrando la iconografía hopperiana como la
cristalización de esas décadas, viéndose en films de realización
contemporáneos. También la conformación de la fotografía esta extraída de la
misma manera que los encuadres de las obras. Un ejemplo de ello es Lejos del paraíso de Todd Haynes de
2002, en la que se recrean fielmente los modelos pictóricos contemporáneos a la
acción, la dirección de arte, la puesta en escena, decorados, vestuarios e interpretaciones reproducen las
atmósferas y visiones de las obras de H. como esto
puede relacionarse con la modernidad, en relacion con el cine Siendo el cine un arte moderno por excelencia, que toma los
recursos plásticos de Hopper
utiliza en sus obras denotando el carácter moderno en la impronta se su
pincel
No hay comentarios:
Publicar un comentario